Contrariamente a su imagen de leyenda, proyectada por el cine, Vincent van Gogh no era un "genio loco", un "maníaco" que creaba a golpe de inspiración visionaria, sino un artista tremendamente "trabajador y concienzudo".

Del 26 de mayo al 13 de septiembre de 2009, en el Museo Nacional del Prado. Edificio Jerónimos

Comisarios: José Luis Díez, Jefe de Conservación de Pintura del Siglo XIX y Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX

Obras: 102

El 26 de mayo quedará abierta al público en el Museo del Prado la exposición retrospectiva más importante dedicada hasta la fecha a Joaquín Sorolla, uno de los artistas españoles con mayor proyección entre el público general y a nivel internacional pero cuya obra, sin embargo, se ha mostrado casi siempre de manera parcial. La exhibición está formada por más de un centenar de piezas entre las que se encuentran todas sus obras maestras y los catorce paneles que el valenciano pintó por encargo de la Hispanic Society y que desde 2007, y con el patrocinio de Bancaja, se han expuesto en distintas ciudades de nuestro país siendo contemplados por más de un millón cien mil visitantes. Otras catorce de las pinturas que se presentan en esta ocasión en el Prado proceden del Museo Sorolla de Madrid.

Ésta será la segunda exposición retrospectiva de Sorolla que se celebra en la capital, tras la que tuvo lugar en 1963 en el Casón del Buen Retiro, organizada por el Ministerio de Cultura de entonces. "Joaquín Sorolla (1863-1923)" se estructura según un recorrido cronológico y temático: encontraremos los cuadros de pintura social que dieron fama a Sorolla a finales del s. XIX, una muy amplia representación de sus retratos, escenas de playa realizadas entre 1908 y 1909 y otros paisajes.

Formado en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Sorolla conoció en Roma y Asís la producción de los grandes maestros italianos antiguos y modernos y en París la pintura realista que resultaría decisiva para la gestación de las obras del valenciano con argumento social, entre ellas la sobrecogedora ¡Aún dicen que el pescado es caro!, de factura veraz y minucioso cuidado de la iluminación. En 1895 el artista presentó en el Salón de París su exitosa Vuelta de la pesca, pieza que le daría fama en Europa y marcaría el comienzo de su consolidación en España, consolidación que se asentó con Cosiendo la vela. Fue entonces cuando inició sus estudios en torno a los efectos de la luz del sol y del viento sobre las velas de los barcos y sobre la delimitación del espacio en sus cuadros. En aquella etapa en torno a 1895 los trabajos de Sorolla comienzan a ser cada vez más demandados por una burguesía que suele encargarle retratos y escenas de costumbres.

Con Triste herencia, pieza perteneciente a la colección Bancaja en la que explora las posibilidades de la orilla del mar como escenario de sus pinturas, obtuvo Sorolla el Grand Prix de la Exposición Universal de 1900 y se convirtió en el artista español más exitoso en la época del cambio de siglo. Sus trabajos de esta etapa no sólo beben de las fuentes italianas y francesas ni de la constante inspiración que le proporcionaron las playas y las gentes valencianas, es fundamental en obras como su poco conocido Desnudo de mujer (1902) la influencia de Velázquez, cuya obra conoció en sus frecuentes visitas al Prado y del que también interiorizó diversos modelos retratísticos.

Sol de la tarde es otra de las piezas clave de la muestra por la gran libertad con la que se sabe que Sorolla se enfrentó al lienzo, por la monumentalidad de sus figuras y por el realismo con que capta el frenético movimiento del mar. Esta obra, una de sus composiciones más osadas, también pertenece a las colecciones de la Hispanic Society. Su éxito en España y el extranjero le permitiría adoptar originales prototipos en torno a los que desarrollar su arte, especialmente los retratos de su familia y sus sensuales y emblemáticas imágenes de playa. Destacan por su desbordante luminosidad, su tratamiento matérico, el exuberante clasicismo mediterráneo de las figuras que en ellas aparecen y la gozosa realidad que representan y que contrastaba ampliamente en su momento con las obras de los artistas ligados a la Generación del 98, de aire más oscuro y pesimista. En los jardines de su casa de Madrid, donde hoy se encuentra el museo dedicado al pintor, realizó Sorolla sus últimas obras: paisajes captados desde encuadres insólitos empleando una técnica fresca y directa.

Coincidiendo con la celebración de esta muestra, el Museo del Prado ha editado un completo catálogo de más de 500 páginas en español e inglés que pretende convertirse en monografía de referencia en torno al pintor. Incluye ensayos de José Luis Díez y Javier Barón, Francisco Javier Pérez Rojas, Carlos Reyero, Blanca Pons Sorolla, Felipe Garín o Facundo Tomás.

Organizada por: Centre Pompidou, Städtische Galerie im Lenbachhaus de Munich y Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York

Una selección de un centenar de obras realizadas por Kandinsky entre 1907 y 1942, representativas de todas sus etapas creativas (en París, Múnich, Moscú, Weimar, Dessau y Berlín) y procedentes de instituciones públicas y colecciones privadas de todo el mundo, componen "Kandinsky", gran retrospectiva que el Centre Pompidou presenta hasta el 10 de agosto y que será la primera dedicada al artista moscovita en los últimos veinticinco años. Las piezas expuestas, todas ellas de gran formato, se dispondrán en orden cronológico y se completarán con un conjunto de acuarelas y manuscritos del periodo ruso de Kandinsky (1914-1917) que se han incorporado recientemente a los fondos que el Pompidou posee de este pintor, al que dedicó también una muestra antológica en 1984.

Nacionalizado francés en 1939, Kandinsky estudió Derecho, Economía y Política en la Universidad de Moscú pero su fuerte vocación artística le llevó a dedicarse a la pintura muy tempranamente. Formado en la Academia de Munich junto al secesionista Franz von Stuck, fundó en 1901 Phalanx, asociación de creadores independientes. Posteriormente viajaría por Túnez, Italia, Francia y Holanda, países estos últimos en los que mostró su obra con frecuencia, en una fase de su trayectoria en la que pesaban especialmente en su producción la influencia del Art Nouveau, del folclore popular ruso que conoció en su infancia y del vivaz colorido fauvista. Representativa de esta etapa es la obra que inicia la exposición, La vie mélangée, que Kandinsky pintó en Sèvres y mostró en el Salón de Otoño de 1907. A partir de 1908, el artista alternaría sus estancias en Munich y Murnau y se convertiría en figura central, junto a Macke, Jawlensky y Marc, del grupo "Neue Küstlervereinigung", que daría lugar en 1911 a la formación del movimiento expresionista encarnado por Der Blaue Reiter. De dicha etapa se mostrarán en París un buen número de sus conocidas Improvisaciones, en las que avanza lentamente hacia la abstracción independizando el protagonismo del color respecto al objeto y dejándose influir por procedimientos propios de la composición de obras musicales. Convencido de que la creación artística se relaciona más estrechamente con lo espiritual que con lo material, intentó entonces Kandinsky que formas y tonalidades lograsen expresar por sí mismas emociones. Lo vemos en piezas como Traits Nors (1913) o Fugue (1914).

Tras el estallido de la I Guerra Mundial, volvió a Rusia, donde se dedicó a la enseñanza y a la dirección cultural de diversos museos estatales, pero ante la creciente radicalización del régimen soviético decidió regresar a Alemania en 1921 e integrarse en la Escuela Bauhaus. En aquel periodo residió en Weimar, Dessau y Berlín y emprendió el camino de la abstracción geométrica, imprimiendo mayor racionalidad a sus trabajos, en la línea de Malevich, pero sin prescindir de su característico dinamismo. Tras el cierre de la Bauhaus en 1933, Kandinsky se trasladó a París para empaparse intensamente de la actividad cultural de la capital francesa. Sin perder el cuidado minucioso de las composiciones que marcó su trayectoria, introdujo en sus pinturas rasgos biomórficos y una mayor flexibilidad (Courbe dominante, 1936). Cierran la exposición, que a partir del 18 de septiembre se mostrará en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, las tres grandes tablas que configuran Accord reciproque (1942).

Llega a la sala apoyado en su bastón de madera. Regala una sonrisa a todos aquellos que se le acercan y a quienes con palabras aplauden sus obras. Pedro González, hombre con ojos de niño, regresa a sus 82 años a las aulas en las que hizo el Bachillerato (hoy vacías de pupitres) para descubrir su último imaginario esculpido en grandes lienzos. El pintor lagunero vuelve a "asomarse a la ventana" del arte a través de la cual presenta un mundo lleno de esperanzas. "Incluso en la muerte hay esperanzas", asegura el creador.

Pedro González ama intensamente el arte, esa sensación de poder volcar su alma con sus miedos y sus anhelos en un fragmento de tela. De hecho, cuando ya los años pesan y dejan huella sobre su cuerpo, él sigue explorando nuevos universos y se sigue "subiendo" a una escalera para poder llenar todas las esquinas de sus grandes lienzos. "Soy un trabajador infatigable", confesó ayer el propio Pedro González en la sala de exposiciones del Cabrera Pinto donde sus últimas creaciones se presentan al público abrazadas a algunas de sus obras anteriores (piezas que descansan de miradas ajenas en su casa). Las expresiones del hoy y los fragmentos del ayer de Pedro González, que pueden verse en este espacio lagunero hasta el próximo 10 de mayo, se bañan en la esperanza. Y es que como él mismo reconoció es "un hombre de esperanza".
"Incluso en la muerte y en las pateras [temas que centraron dos de sus series anteriores] hay esperanza, aunque ésta a veces se frustre, se quede por el camino", indicó el Premio Canarias tras confesar que entrar a su estudio todos los días le sigue causando "una gran emoción". "La pintura es una ventana abierta por donde todos pueden asomarse y a través de la cual distintos creadores han plasmado sus visiones", agregó Pedro González delante de una de sus nuevas composiciones, esa en la que una mujer desnuda se cuela como si fuera un sueño en un rincón de su hogar.
Saltando los obstáculos del verbo que debido a la batalla ganada de la enfermedad se atascan al salir al viento, Pedro González también afirmó no tener "una fórmula para pintar". En este sentido, y recordando a Picasso, dijo que él "sencillamente reacciona a la pintura con lo que da el lienzo, estableciendo con él un coloquio y acepto que es mía". Acompañado del alcalde de La Laguna, Fernando Clavijo y de la consejera de Cultura del Gobierno de Canarias, Milagros Luis Brito; el pintor cuya obra camina en los límites de la abstracción y la figuración considera que "tal vez sean los retratos los que sirvan de eje" de esta muestra. Pero no sólo los rostros ajenos atrapan las miradas, también llaman poderosamente la atención dos autorretratos realizados en 2006, los "únicos" que tiene. Aunque en líneas generales en esta individual hay una gran diversidad temática: paisajes, desnudos o escenas bíblicas.