Arte en Añaza: Artes Plásticas

Halloween activities

2010-10-30T10:26:00.009+01:00

Some of my students working

2010-10-16T14:14:00.001+01:00

Talleres infantiles en el TEA

2010-10-09T13:42:00.001+01:00

Profe y alumno autores del mural

2010-10-03T10:36:00.006+01:00

Este mural aguantó durante muchas años en la fachada de entrada al Centro. Actualmente ha tenido que ser sustituido por motivos "técnicos".

Estreno de los cortometrajes canarios

2010-09-29T16:17:00.000+01:00

Exposición "Picaso y la escultura Africana"

2010-04-24T12:46:00.003+01:00

You can read "Little Red Riding Hood"

2010-04-18T20:39:00.005+01:00

We have been working with some elements of this story in class and now you can read the whole tale here. You can also listen to it if you click on "Play". You have to click on "Next" to read the following scene of the story.

Pedro González exhibirá sus nuevas pinturas en La Recova

2010-04-18T20:32:00.003+01:00

El Centro de Arte La Recova expondrá una muestra de Pedro González que recoge la producción artística de los últimos dos años del pintor tinerfeño. La exhibición que no tiene título, consta de 85 acrílicos de diversa temática de medio y gran formato (desde 56 x 45 centímetros hasta 2 x 1,80 metros). Se inaugurará el día 14 de abril, a las 20.00 horas.

La exposición, programada por el Organismo Autónomo de Cultura (O.A.C.) del Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, podrá visitarse hasta el 8 de mayo.

Zapatos Nuevos, Payasos de hoy en Europa

2010-04-04T12:38:00.000+01:00

My opinion on using blogs in the Art class

2010-04-02T01:07:00.001+01:00

Hi everyone,
I consider a very important aspect in teaching the use of blogs and other technological tools because students often know them and like using them, and in some way, their use is a way of motivating them.
I have posted some of my students' production and soon I will post some of their new works concerning the realization of some comics based on the tale "Little Red Riding Hood".
I participate in some blogs, one concerning my subject and the digital magazine of my High School.
From now on, I will try to dedicate more time to the specific aspect of the CLIL program, and I will include more activities made with the CLIL students.

Taller en el TEA

2010-03-12T14:33:00.001Z

Corto canario "Quitaesmalte"

2010-03-12T14:32:00.001Z

Museum of Contemporary African Art en el CAAM

2010-02-27T11:22:00.003Z

Pincha encima de la imagen para verla ampliada

Identificado un nuevo cuadro de Van Gogh

2010-02-24T16:13:00.005Z

Un nuevo cuadro de Van Gogh, que no constaba hasta ahora en los catálogos habituales del artista holandés, ha sido encontrado en un museo regional del centro del país. La obra, un óleo del más puro estilo impresionista, retrata el molino Le Blute-Fin, de París.

Taller de Collagraph

2010-02-24T16:11:00.000Z

Nueve millones de euros por un Picasso

2010-02-03T07:48:00.003Z

La obra Tete de femme de Pablo Picasso, un retrato de su esposa Jacqueline de 1963, se ha adjudicado este martes en la casa Christie's de Londres por más de nueve millones de euros. Picasso pintó el retrato a los dos años de casarse con Jacqueline, su última esposa y musa favorita, que aquí aparece con la melena suelta y diadema en una composición de tonos azules.

Dañado por accidente un cuadro de Picasso

2010-01-25T20:14:00.003Z

Un cuadro de Picasso expuesto en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York ha sufrido daños cuando una mujer que recibía una clase de arte perdió el equilibrio y cayó sobre la obra el viernes pasado, pintándola y rasgándola, informa el museo en un comunicado de prensa .

El cuadro, que se titula El actor, pertenece al periodo Rosa del artista malagueño. Representa a un artista ambulante que posa sobre un escenario. En el suelo, a los pies del actor, se ven las manos del apuntador saliendo de la concha. El lienzo fue pintado entre 1904 y 1905.

La obra, que mide 1,8 metros de alto por 1,2 de ancho, (unas dimensiones "inusualmente grandes", según el museo) sufre un desgarro de unos 15 centímetros en la esquina inferior derecha.

Fuentes del Metropolitan señalaron el domingo que los daños no afectan "al punto focal de la composición" (la zona a la que el espectador dirige la mirada cuando observa el cuadro) y que la obra estará reparada en las próximas semanas, lista para una exposición a finales de abril que mostrará unas 250 piezas.

fuente: elpais.com

Taller de óleo

2010-01-08T10:53:00.003Z

Pincha sobre la imagen para ver mejor los datos del taller

CajaCanarias trae hasta Tenerife obras de Auguste Rodin

2010-01-06T12:27:00.001Z

Una exposición con obra de Auguste Rodin, el magnífico escultor francés autor de obras imprescindibles como El Pensador y El beso, llegará próximamente a Tenerife.

La exposición permanecerá abierta al público en el Espacio Cultural de la citada entidad de ahorro en Santa Cruz de Tenerife hasta el próximo 30 de abril y podrá visitarse, de lunes a viernes, en horario de 9:30 a 13:30 horas y de 17:00 a 20:00 horas y los sábados desde las 10:00 hasta las 13:30 horas.

Mientras, además de la obra de famosísimo escultor (al que se le atribuye el mérito de haber dado una nueva concepción a la escultura pública y el monumento), es probable que la muestra incluya obra de artistas de la talla de Rodin, Bourdelle, Carpeaux y Claudel. Auguste Rodin es uno de los escultores más conocidos de la historia del arte y trabajó con profusión en la técnica y acabado de sus obras, como la conocida Puerta del infierno, un monumental grupo escultórico con unos seis metros de alto, cuatro de ancho y uno de profundidad que contiene unas 180 figuras que puede admirarse-actualmente- en el Museo Rodin de la capital francesa.

fuente: laopinion.es

Exposiciones 2010

2010-01-01T10:54:00.004Z

Monet protagonizará en el Thyssen la temporada expositiva de invierno

"Impresionismo. Un nuevo Renacimiento", en la Fundación Mapfre
"Arte del poder. Armas y pinturas de la corte española", en el Prado.

La exposición que el Museo Thyssen dedicará a "Monet y la abstracción" es una de las estrellas del programa expositivo de la temporada de invierno, que incluye además la muestra "Impresionismo. Un nuevo Renacimiento", en la Fundación Mapfre, y "Arte del poder. Armas y pinturas de la corte española", en el Prado.

La muestra de Monet, que se inaugurará el 23 de febrero en las sedes del Thyssen-Bornemisza y de la Fundación Caja Madrid, pretende explorar el papel central de este gran artista impresionista en el desarrollo de la abstracción tras el fin de la Segunda Guerra Mundial.

Chagall, la cigarra y la hormiga

2009-12-26T10:09:00.006Z

Rescatadas en Italia las ilustraciones del pintor ruso para las fábulas de La Fontaine.

Era un tesoro disperso, un bestiario colorista que estuvo perdido durante medio siglo. En los años veinte, mientras Bella Rosenfeld, la primera mujer de Marc Chagall, leía y releía en voz alta las fábulas de La Fontaine, el pintor ruso aprendía francés y, al tiempo, pintaba sus fantásticas visiones. "No sé de dónde saca semejantes imágenes, debe de tener un ángel en la cabeza", dijo sobre él Picasso.

Exposición de Ramón del Pino en la fundación Mapfre Guanarteme

2009-12-18T07:44:00.000Z

"El Ojo Instantáneo", actividad lúdica de experimentación con la fotografía

2009-12-10T14:50:00.002Z

Las cartas de Van Gogh

2009-12-08T19:37:00.005Z

Contrariamente a su imagen de leyenda, proyectada por el cine, Vincent van Gogh no era un "genio loco", un "maníaco" que creaba a golpe de inspiración visionaria, sino un artista tremendamente "trabajador y concienzudo".

"Se cree que sufría algún tipo de epilepsia, pero no trabajaba cuando se encontraba en ese estado", señala la experta británica Ann Dumas, que prepara la exposición "El auténtico Van Gogh: el artista y sus cartas" para la Royal Academy of Arts londinense (del 23 de enero al 18 de abril del 2010).

Exposición "Agua" en Cajacanarias

2009-12-07T11:17:00.002Z

La Mona Lisa hecha con la grasa de las hamburguesas

2009-12-05T13:51:00.002Z

Autor: Phil Hansen

Arte con café y leche

2009-12-05T13:39:00.001Z

Autor: Vinko

Retratos de mujer a través de la historia del arte

2009-12-05T13:23:00.007Z

Autor: Philip Scott Johnson

Dos jóvenes canarios trabajan en la película más cara del cine español: Planet 51

2009-11-20T09:25:00.006Z

Armide Suárez Ramírez y Adrian Monroy Díaz, dos jóvenes canarios deciden iniciar su carrera cinematográfica en Madrid. Comienzan sus estudios en Cice (Escuela Profesional de Nuevas Tecnologías.) Después de terminar la carrera y realizar numerosos cortos de forma individual, han logrado introducirse en el trabajo de la película de animación Planet 51, que hasta ahora es la producción cinematográfica más cara de Europa.

Ambos han desarrollado su trabajo en el departamento de Lighting and Composite. (Iluminación y Composición.)

Life is not always what it seems to be

2009-11-13T21:25:00.013Z

Exposición en el TEA

2009-11-03T20:11:00.002Z

For 1º ESO. Color Theory (Proyecto CLIL)

2009-10-18T12:27:00.006+01:00

Color Theory Power Point

El arte, refugio anti-crisis

2009-10-18T10:32:00.006+01:00

Los museos de Tenerife se podrán visitar de forma virtual

2009-10-18T09:54:00.005+01:00

El Cabildo de Tenerife a través del Organismo Autónomo de Museos y Centros (OAMC) ha desarrollado el proyecto CiberCarabus con el objetivo de acercar los museos a las nuevas tendencias y, en definitiva, a la sociedad, creando un archivo de imágenes digitales, de acceso público a través de Internet, con los fondos y colecciones de los museos de la Isla, prioritariamente los de titularidad pública, pertenecientes al OAMC.

Juan Bautista Maíno

2009-10-16T20:02:00.005+01:00

El Museo del Prado reúne en una muestra monográfica la casi totalidad de la obra de Juan Bautista Maíno, un olvidado maestro del siglo XVII.

Ser una rara avis suele conducir a la dispersión en las brumas de la historia. Juan Bautista Maíno (1581-1649) lo fue y por eso es un gran olvidado. Nacido en la localidad alcarreña de Pastrana, pasó su adolescencia en Madrid y en algún momento de finales del siglo XVI llegó a Italia. Un viaje decisivo que lo puso en contacto con las dos grandes corrientes del momento: el naturalismo dramático de Caravaggio y la revisión del clasicismo italiano de Annibale Carracci y la escuela boloñesa.

Explorar el dibujo para entender la pintura

2009-10-15T07:42:00.017+01:00

Cristino de Vera: Al Silencio

2009-10-11T10:08:00.006+01:00

Asterix cumple 50 años

2009-10-10T08:50:00.009+01:00

Asterix está de aniversario. Cumple 50 años. Sus creadores lo inventaron en 15 minutos un buen día de 1959 en un pequeño apartamento de las afueras de París. Querían contar en cómic la historia francesa aprendida en la escuela. Plasmar en dibujos cómo los romanos invadieron Las Galias. Asterix ya está entradito en años pero no por ello deja de vender ejemplares. Se han vendido más de 325 millones de copias traducidas en 17 idiomas.

El Parlamento canario aprueba un día de gratuidad semanal para los museos

2009-10-09T20:21:00.004+01:00

La diputada de CC, Dulce Xerach Pérez, logró que las tres formaciones políticas que conforman el arco parlamentario aprobasen ayer por unanimidad su Proposición No de Ley, en la que se insta al Gobierno canario, cabildos y ayuntamientos a que al menos un día por semana los museos del Archipiélago tengan el acceso gratuito.

La iniciativa, que surge a raíz de un seguidor del blog de la ex viceconsejera de Cultura, "no trata de que sean gratuitos siempre, sino que sean gratuitos al menos una vez a la semana" argumentó Pérez en su intervención, recordando que son cabildos y ayuntamientos los que tienen la competencias pero que el Gobierno canario es el que ha de tutelar y facilitar el acceso a la cultura. Insistió en que "ahora, es más necesario que nunca acceder a la cultura" y recordó que lugares como la Cueva de Los Verdes suponen un desembolso de ocho euros por visita, mientras que otros como el TEA cuestan a los residentes canarios 2,5 euros, lamentando además que el Ministerio de Cultura haya subido los precios de las entradas en "este año de crisis". No obstante admitió que se mantiene una política de gratuidad que hace que esos días "siempre estén llenos". La diputada nacionalista aprovechó para dejar caer que si bien los museos canarios forman parte de la actividad turística, no se promocionan como tales, considerando que "deberían ser promocionados turísticamente".

Actividades en el CAAM

2009-10-04T19:59:00.005+01:00

Exposición de Pedro González

2009-09-20T12:28:00.009+01:00

Video rescatado de Youtube y realizado por Margot

Picasso en el Cabrera Pinto

2009-09-16T07:33:00.006+01:00

Exposición de grabados ´La belleza Múltiple´

Picasso: La belleza múltiple, que se inaugura hoy en la sala de exposiciones del instituto Cabrera Pinto de La Laguna, recorre las diversas concepciones de la idea de la belleza en la obra gráfica del artista malagueño. Esta exposición se articula a través de diez secciones, integrada cada una, dependiendo de los casos, por cuatro o cinco obras.

Retrato enérgico de Maruja Mallo

2009-09-05T13:21:00.005+01:00

Madrid y el Prado saldan su deuda con Sorolla

2009-08-23T10:57:00.003+01:00

Del 26 de mayo al 13 de septiembre de 2009, en el Museo Nacional del Prado. Edificio Jerónimos

Comisarios: José Luis Díez, Jefe de Conservación de Pintura del Siglo XIX y Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX

Obras: 102

El 26 de mayo quedará abierta al público en el Museo del Prado la exposición retrospectiva más importante dedicada hasta la fecha a Joaquín Sorolla, uno de los artistas españoles con mayor proyección entre el público general y a nivel internacional pero cuya obra, sin embargo, se ha mostrado casi siempre de manera parcial. La exhibición está formada por más de un centenar de piezas entre las que se encuentran todas sus obras maestras y los catorce paneles que el valenciano pintó por encargo de la Hispanic Society y que desde 2007, y con el patrocinio de Bancaja, se han expuesto en distintas ciudades de nuestro país siendo contemplados por más de un millón cien mil visitantes. Otras catorce de las pinturas que se presentan en esta ocasión en el Prado proceden del Museo Sorolla de Madrid.

Ésta será la segunda exposición retrospectiva de Sorolla que se celebra en la capital, tras la que tuvo lugar en 1963 en el Casón del Buen Retiro, organizada por el Ministerio de Cultura de entonces. "Joaquín Sorolla (1863-1923)" se estructura según un recorrido cronológico y temático: encontraremos los cuadros de pintura social que dieron fama a Sorolla a finales del s. XIX, una muy amplia representación de sus retratos, escenas de playa realizadas entre 1908 y 1909 y otros paisajes.

Formado en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Sorolla conoció en Roma y Asís la producción de los grandes maestros italianos antiguos y modernos y en París la pintura realista que resultaría decisiva para la gestación de las obras del valenciano con argumento social, entre ellas la sobrecogedora ¡Aún dicen que el pescado es caro!, de factura veraz y minucioso cuidado de la iluminación. En 1895 el artista presentó en el Salón de París su exitosa Vuelta de la pesca, pieza que le daría fama en Europa y marcaría el comienzo de su consolidación en España, consolidación que se asentó con Cosiendo la vela. Fue entonces cuando inició sus estudios en torno a los efectos de la luz del sol y del viento sobre las velas de los barcos y sobre la delimitación del espacio en sus cuadros. En aquella etapa en torno a 1895 los trabajos de Sorolla comienzan a ser cada vez más demandados por una burguesía que suele encargarle retratos y escenas de costumbres.

Con Triste herencia, pieza perteneciente a la colección Bancaja en la que explora las posibilidades de la orilla del mar como escenario de sus pinturas, obtuvo Sorolla el Grand Prix de la Exposición Universal de 1900 y se convirtió en el artista español más exitoso en la época del cambio de siglo. Sus trabajos de esta etapa no sólo beben de las fuentes italianas y francesas ni de la constante inspiración que le proporcionaron las playas y las gentes valencianas, es fundamental en obras como su poco conocido Desnudo de mujer (1902) la influencia de Velázquez, cuya obra conoció en sus frecuentes visitas al Prado y del que también interiorizó diversos modelos retratísticos.

Sol de la tarde es otra de las piezas clave de la muestra por la gran libertad con la que se sabe que Sorolla se enfrentó al lienzo, por la monumentalidad de sus figuras y por el realismo con que capta el frenético movimiento del mar. Esta obra, una de sus composiciones más osadas, también pertenece a las colecciones de la Hispanic Society. Su éxito en España y el extranjero le permitiría adoptar originales prototipos en torno a los que desarrollar su arte, especialmente los retratos de su familia y sus sensuales y emblemáticas imágenes de playa. Destacan por su desbordante luminosidad, su tratamiento matérico, el exuberante clasicismo mediterráneo de las figuras que en ellas aparecen y la gozosa realidad que representan y que contrastaba ampliamente en su momento con las obras de los artistas ligados a la Generación del 98, de aire más oscuro y pesimista. En los jardines de su casa de Madrid, donde hoy se encuentra el museo dedicado al pintor, realizó Sorolla sus últimas obras: paisajes captados desde encuadres insólitos empleando una técnica fresca y directa.

Coincidiendo con la celebración de esta muestra, el Museo del Prado ha editado un completo catálogo de más de 500 páginas en español e inglés que pretende convertirse en monografía de referencia en torno al pintor. Incluye ensayos de José Luis Díez y Javier Barón, Francisco Javier Pérez Rojas, Carlos Reyero, Blanca Pons Sorolla, Felipe Garín o Facundo Tomás.

Exposición de Kandinski en el Pompidou

2009-08-23T10:52:00.003+01:00

Organizada por: Centre Pompidou, Städtische Galerie im Lenbachhaus de Munich y Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York

Una selección de un centenar de obras realizadas por Kandinsky entre 1907 y 1942, representativas de todas sus etapas creativas (en París, Múnich, Moscú, Weimar, Dessau y Berlín) y procedentes de instituciones públicas y colecciones privadas de todo el mundo, componen "Kandinsky", gran retrospectiva que el Centre Pompidou presenta hasta el 10 de agosto y que será la primera dedicada al artista moscovita en los últimos veinticinco años. Las piezas expuestas, todas ellas de gran formato, se dispondrán en orden cronológico y se completarán con un conjunto de acuarelas y manuscritos del periodo ruso de Kandinsky (1914-1917) que se han incorporado recientemente a los fondos que el Pompidou posee de este pintor, al que dedicó también una muestra antológica en 1984.

Nacionalizado francés en 1939, Kandinsky estudió Derecho, Economía y Política en la Universidad de Moscú pero su fuerte vocación artística le llevó a dedicarse a la pintura muy tempranamente. Formado en la Academia de Munich junto al secesionista Franz von Stuck, fundó en 1901 Phalanx, asociación de creadores independientes. Posteriormente viajaría por Túnez, Italia, Francia y Holanda, países estos últimos en los que mostró su obra con frecuencia, en una fase de su trayectoria en la que pesaban especialmente en su producción la influencia del Art Nouveau, del folclore popular ruso que conoció en su infancia y del vivaz colorido fauvista. Representativa de esta etapa es la obra que inicia la exposición, La vie mélangée, que Kandinsky pintó en Sèvres y mostró en el Salón de Otoño de 1907. A partir de 1908, el artista alternaría sus estancias en Munich y Murnau y se convertiría en figura central, junto a Macke, Jawlensky y Marc, del grupo "Neue Küstlervereinigung", que daría lugar en 1911 a la formación del movimiento expresionista encarnado por Der Blaue Reiter. De dicha etapa se mostrarán en París un buen número de sus conocidas Improvisaciones, en las que avanza lentamente hacia la abstracción independizando el protagonismo del color respecto al objeto y dejándose influir por procedimientos propios de la composición de obras musicales. Convencido de que la creación artística se relaciona más estrechamente con lo espiritual que con lo material, intentó entonces Kandinsky que formas y tonalidades lograsen expresar por sí mismas emociones. Lo vemos en piezas como Traits Nors (1913) o Fugue (1914).

Tras el estallido de la I Guerra Mundial, volvió a Rusia, donde se dedicó a la enseñanza y a la dirección cultural de diversos museos estatales, pero ante la creciente radicalización del régimen soviético decidió regresar a Alemania en 1921 e integrarse en la Escuela Bauhaus. En aquel periodo residió en Weimar, Dessau y Berlín y emprendió el camino de la abstracción geométrica, imprimiendo mayor racionalidad a sus trabajos, en la línea de Malevich, pero sin prescindir de su característico dinamismo. Tras el cierre de la Bauhaus en 1933, Kandinsky se trasladó a París para empaparse intensamente de la actividad cultural de la capital francesa. Sin perder el cuidado minucioso de las composiciones que marcó su trayectoria, introdujo en sus pinturas rasgos biomórficos y una mayor flexibilidad (Courbe dominante, 1936). Cierran la exposición, que a partir del 18 de septiembre se mostrará en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, las tres grandes tablas que configuran Accord reciproque (1942).

Bauhaus para todos

2009-07-26T09:41:00.010+01:00

La escuela Bauhaus se identifica a menudo con la costumbre de construir edificios rectangulares y amueblarlos con buen gusto. Sin embargo, 90 años después de que la fundara Walter Gropius, una institución educativa casi centenaria que apenas subsistió tres lustros, todavía mantiene un halo intacto de revuelta y de modernidad radical. La gran exposición Modelo Bauhaus, inaugurada estos días en el Martin-Groupius-Bau de Berlín, presenta más de 1.000 objetos originales de aquellos 14 años entre 1919 y 1933. Muebles y demás menaje, maquetas de edificios, vestidos, dibujos, pinturas o fotografías atestiguan el entusiasmo creativo de los alumnos y los profesores de la escuela. Su enorme disparidad desmiente que existiera algo así como un "estilo Bauhaus", e incita a reflexionar sobre las aspiraciones y los logros de ese proyecto utópico. La codirectora de la exposición, Ulrike Bestgen, destaca las paradojas de la escuela Bauhaus. Pretendían democratizar las artes, pero hoy sus objetos son carísimas piezas de coleccionista. Trataban de "mejorar la vida" de todos, pero la escuela nunca abandonó un elitismo despreciado por la mayoría de sus contemporáneos. Su modelo, el trabajo comunitario y anónimo de los gremios de construcción medievales (las bauhütten), no impidió el aplauso público a los miembros más prominentes, como Gropius o Ludwig Mies van der Rohe. Ni siquiera la aureola de campeona antinazi queda intacta: algunos colaboraron con el régimen, Fritz Ertl, fue oficial de la SS y arquitecto del campo de exterminio de Auschwitz. Para Bestgen, la Bauhaus son "muchas Bauhäuser".

Sin duda, un factor del mito popular es su accidentada historia. La victoria local de la ultraderecha la obligó a abandonar Weimar en 1925 y, de las muchas ciudades que se ofrecieron para albergarla, Gropius eligió Dessau: el Silicon Valley de su tiempo, donde Junkers fabricaba sus aeroplanos. El gobierno municipal encargó a Gropius un nuevo edificio para su escuela. En la Bauhaus de Dessau, una construcción de techo plano y enormes cristaleras, la academia vivió sus años dorados. Los nazis los expulsaron en 1932. Ya en Berlín, la Bauhaus sobrevivió hasta la victoria de Adolf Hitler en 1933. La dispersión de maestros y alumnos por todo el mundo sirvió para extender los métodos y las enseñanzas de la institución. Así, Hannes Meyer, comunista convencido, marchó a la Unión Soviética, que tuvo que abandonar por México en pleno terror estalinista. Los otros dos ex directores, Mies van der Rohe y Walter Gropius, emigraron a Estados Unidos. Allí triunfaron como arquitectos.

Precisamente la arquitectura asociada a la Bauhaus alimentó la reputación de su formalismo y frialdad racional. La exposición berlinesa demuestra que es un equívoco. Para empezar, con la policromada Torre del Fuego, obra del docente y estudioso de los colores Johannes Itten. El círculo cromático que diseñó Itten ha servido para ordenar cronológicamente los diferentes espacios de la exposición.

Itten era vegetariano y andaba en una especie de túnica o bata. Resulta la antítesis del atildado Gropius, que admiraba la arquitectura industrial estadounidense y la comparaba con las pirámides de Egipto. Al pasar de una sala a otra, el visitante se topa con estas contradicciones, con diversos estilos, muchos colores y con los más diversos utensilios. Algunos son hoy paradigma de elegancia en medio mundo. El mobiliario de la Bauhaus tampoco se limitó a las celebérrimas y hoy prohibitivas sillas tubulares o a los sofás modelo Barcelona de Mies van der Rohe. Puede verse en un lugar prominente la Silla Africana de Marcel Breuer y Günta Stölzl, hecha de bambú, seda, cáñamo y algodón, cuyo aspecto difiere tanto del sillón B3 de Breuer como podría diferir del trono imperial de la China.

Se asombrará el visitante de que atribuyan el lema "menos es más" a Mies van der Rohe, que entre 1930 y 1933 dirigió una escuela donde cabían tanto los juegos dadaístas de Herbert Bayer como los experimentos de índole práctica con formas, colores y materiales.(fuente: el país)

Regálame un lápiz

2009-07-23T08:03:00.009+01:00

Pepe Dámaso

2009-06-30T08:22:00.005+01:00

José Dámaso. obras desde 1951, bajo este nombre se inaugura hoy en el espacio cultural de CajaCanarias una retropestiva que reconoce los setenta años de vida creadora del autor grancanario. La muestra recoge más de 200 obras, entre pinturas, esculturas, dibujos y collages. "Siempre me he sentido comprometido con el arte y he trabajado con un gran rigor".

La Obra Social y Cultural de CajaCanarias inaugura hoy en su Espacio Cultural de Santa Cruz de Tenerife, la exposición José Dámaso, obras desde 1951, una retrospectiva que recoge sesenta años de la vida creadora del autor grancanario. La muestra, comisariada por Alfonso de la Torre, está compuesta por más de 200 pinturas, esculturas, dibujos y collages, y podrá visitarse hasta el 29 de agosto, en horario de lunes a viernes de 11 a 13 y de 17 a 21 horas, y los sábados de 11 a 14 y de 17 a 20 horas.
El acto de presentación de la exposición a los medios de comunicación tuvo lugar en la mañana de este lunes, 29 de junio, con la presencia del artista José Dámaso, que estuvo acompañado por el comisario Alfonso de la Torre y por Álvaro Marcos Arvelo, jefe de la Obra Social y Cultural de CajaCanarias.
José Dámaso se mostró emocionado y muy satisfecho de la exposición que reúne una gran parte de su obra iniciada en los años cincuenta, e indicó que "sé que no era una tarea fácil hacer una revisión de cerca de sesenta años de vida artística".
Dámaso también valoró muy positivamente la obra seleccionada, el montaje de la exposición y los estudios efectuados para la realización del catálogo de la muestra, durante los que, incluso, se realizaron descubrimientos y hallazgos, ya olvidados por el autor, como la muestra sin cuadros que se vio obligado a montar en los años sesenta en Madrid, al no llegar a tiempo sus obras por culpa de la aduana. El artista grancanario afirmó que "me parece magnífico que se haya elegido Tenerife para hacer una retrospectiva de este tipo sobre mi obra porque yo siempre he apostado por las Islas Canarias".
-En su intervención, José Dámaso, lanzó un mensaje a los jóvenes a los que indicó que "en ellos está el legado del arte en el futuro", y, concluyó, "siempre me he sentido comprometido con el arte y he tenido un gran rigor en mi trabajo, como yo mismo he podido apreciar al ver esta exposición sobre mi trayectoria artística".

Álvaro Arvelo tuvo palabras de elogio para un artista que "en los años 60 pudo haber dado el salto a Madrid, pudo haber buscado el espacio que, por entonces, lograron sus amigos César Manrique, Manolo Millares, y Martín Chirino. Pero decidió regresar y quedarse, consciente como era de los riesgos que suponían para un ser tan volcánico, el intentar crear desde el desarraigo.
En este sentido, Arvelo continuó diciendo que "Dámaso ha preferido siempre arder con sus logros para empezar de cero, antes que seguir instalado en la seguridad de los cam.inos conocidos. No ha dejado, en el largo medio siglo que lleva dedicado al arte, de afrontar el reto de buscar nuevos espacios para la creación, dejándonos siempre una visión controvertida de la realidad. Como lo fue, en los años sesenta la creación de uno de sus trabajos más arriesgados y personales: ´la serie Juanita´, a pesar del riesgo, a pesar de la incomprensión de su tiempo". El comisario de la muestra, Alfonso de la Torre, manifestó que "esta exposición muestra el trabajo de 58 años de creación, y su realización ha sido posible, principalmente, gracias al préstamo de instituciones públicas y privadas, como la propia CajaCanarias, la Fundación César Manrique o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

La historia guanche
Lo canario ha sido siempre punto de partida de las reflexiones del artista grancanario, debiendo hacerse mención a su particular cosmogonía, los Héroes Atlánticos, representación de los personajes legendarios de la historia guanche revisitados a través de un intenso y lírico dramatismo por el propio Dámaso.

Reflexión en torno a la muerte
No hay otro tema más intenso en la obra de Dámaso que su reflexión en torno a la muerte. Puede afirmarse que es la única cuestión que atraviesa permanentemente su obra creadora, como un nervio estremecedor en una intensa reflexión sobre el tiempo y el conocido final. El enterramiento, el túmulo, el sueño principesco, la materia descompuesta, la excavación, son cuestiones que llevarán a Dámaso a representar con naturalidad, en reiteradas ocasiones, la cara de la muerte. Al igual que Millares, Dámaso utiliza el trapo, el tejido textil que se halla en el imaginario canario de las antiguas momias guanches, como uno de los elementos de sus representaciones pictóricas. Sus cráneos son principalmente humanos, mas también de animales, pájaros y peces principalmente. Realistas, a veces casi hiperrealistas y en ocasiones muy abstractos, compuestos con primor o descompuestos. Representaciones de vanitas tanto individuales como seriales. Mención a la muerte de la antigüedad, vanitas de los guanches o de los envarados estamentos religiosos, pero también a la moderna muerte televisada que llega cotidiana e irremediablemente en las pateras .(la opinión)

Matisse, esplendor en la sombra

2009-06-09T07:33:00.008+01:00

Matisse, esplendor en la sombra

La Fundación Thyssen expone la etapa de madurez del artista, la menos conocida.

Ver las obras en el museo

Primer número de la Revista del IES Añaza

2009-05-30T22:11:00.006+01:00

El museo como espacio de educación

2009-05-25T07:42:00.005+01:00

Hay un museo como templo de las musas, hoy en franca retirada; hay un museo como parque temático, en vertiginosa expansión global, y existe igualmente un museo como espacio de educación, en tensa pugna con el anterior, a veces incluso en el seno de una misma institución. Del mismo modo hay departamentos pedagógicos cuya función principal, encubierta, es simplemente incrementar las estadísticas de visitantes de los museos, pero hay otros también que perciben al público en términos de agencia y no sólo de audiencia, que potencian en él una subjetividad cada vez más amenazada por un sistema que busca su fatal normalización. Entre éstos últimos se encuentra el Departamento de Educación y Acción Cultural (DEAC) del Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), una de las áreas más activas de una institución que funciona con distintas velocidades.
Referente para departamentos pedagógicos de otros centros de arte españoles, como los del Museo del Prado, el Thyssen-Bornemisza, el Picasso de Málaga, el Guggenheim de Bilbao o el Centro de Arte Reina Sofía, que han venido a Gran Canaria a estudiar su experiencia, el DEAC del CAAM, cuya responsable desde 2002 es Inmaculada Pérez Maza, es un pilar fundamental para que el recinto de Vegueta pueda presentarse como espacio de educación, de formación a través de lo sensible para visitantes de todas las edades y todos los niveles de estudios. Y ello a través de programas como Estrategias de Pensamiento Visual -creada por Philip Yenawine, ex director del Área de Educación del MoMA de Nueva York-; Territorio Okupado, Entre generaciones, Punto de encuentro con artistas, inauguraciones infantiles, seminarios de iniciación al arte contemporáneo, el acercamiento a la población no capitalina mediante talleres y encuentros, etcétera.
Integrado por siete personas, el Departamento ha encontrado un aliado en otra institución formativa muy discreta pero muy activa también como es la Escuela de Arte y Superior de Diseño de Gran Canaria, que inició hace tiempo un proceso de retroalimentación muy interesante con el CAAM por el cual profesionales del DEAC se acercan a la Escuela para trabajar con los alumnos una determinada exposición que puede verse en el museo y éstos luego hacen obras, montan su propia muestra y hasta diseñan su propio catálogo, como han hecho estos días con la muestra Goya. Cronista de todas las guerras. Se potencia así una cantera de artistas y se forma a nuevos espectadores que asumen el museo como espacio de reflexión y diálogo ciudadano y lo integran como una isla en medio de la cultura de consumo.(fuente: la provincia)

Une image peut cacher une autre (Una imagen puede esconder otra)

2009-05-22T08:16:00.004+01:00

Esta magnífica exposición -hay que reservarse dos horas para verla- explora aquellas imágenes que esconden en su interior otra imagen o varias más. Los artistas utilizaron las imágenes escondidas con varios propósitos a lo largo de la historia: para mostrar símbolos o alegorías, para escapar a la censura, como divertimento o como acertijo conceptual. La muestra exhibe desde miniaturas persas hasta varias obras contemporáneas como las de Markus Raetz (un hombre con sombrero cuya imagen en un espejo resulta ser un conejo).

Salvador Dalí

Hay muchas obras con rocas antropomorfas (Patinir, Metsys, Ruisdael, Courbet) ,junto a excelentes Arcimboldos y una curiosísima versión japonesa de El origen del mundo, debida a Utagawa Kuniyoshi (S.XIX). Pero lo que más sorprende son las obras del siglo XX tan conocidas como Alegoría de género, de Duchamp (un retrato de G.Washington sobre paños higiénicos y que, rotados, configuran el mapa de los Estados Unidos), excelentes Dalís, el Paisaje-cabeza de Giacometti; o la Princesa X de Brancusi (una mujer muy estilizada que es a la vez un pene), cuya exposición fue prohibida por la policía.(fuente: mas de arte)
Grand Palais, París, hasta el 6 julio 2009

Campaña publicitaria de chocolatinas

2009-04-19T11:04:00.002+01:00

Pintando a Ray Charles en directo

2009-03-29T15:29:00.003+01:00

Gustave Caillebotte

2009-03-26T18:12:00.004Z

De París al mar

El Brooklyn Museum acoge la mayor retrospectiva en treinta años del impresionista Gustave Caillebotte

Del 27 de marzo al 5 de julio de 2009, en el Brooklyn Museum de Nueva York

Comisarios: Judith Dolkart, Dorothee Hansen, Anne Birgitte Fonsmark y Gry Hedin

Organizan: Brooklyn Museum, Ordrupgaard y Kunsthalle Bremen

Tras acoger en 1977 la primera muestra dedicada a Gustave Caillebotte en América, el Brooklyn Museum neoyorquino presenta, a partir del próximo 27 de marzo, la mayor exposición organizada en treinta años en torno a la obra de este impresionista francés, uno de los artistas menos conocidos del movimiento. Partiendo del análisis de algunas de sus vistas urbanas y de sus paisajes más conocidos, esta exhibición abordará por primera vez el modo en que esas pinturas expresan el interés de Caillebotte por el agua como elemento mágico y enigmático capaz de reflejar lo que le rodea y de cobijar actividades de todo tipo confiriendo a las escenas desarrolladas en torno a ella una atmósfera especial.

Frente a trabajos como The Floor Scrapes, The Pont of Europe o House Painters, que desvelan la fascinación del creador de París por la vida cotidiana en las calles de su ciudad y por los avances urbanísticos que en ella se producían, encontramos piezas, como Skiffs on the yerres (1877) o Regattas at Villers (1880), que demuestran la importancia dada en su producción al minucioso estudio de la naturaleza, la luz, el agua y sus reflejos. Dos de las obras expuestas proceden de la propia colección permanente del Brooklyn Museum y atestiguan el esfuerzo de Caillebotte por indagar en los nexos de unión entre los universos rural y urbano; se trata de Bridge at Argenteuil (1885-1887) y Apple Tree in Bloom (hacia 1885). La mayoría de las pinturas que se exhiben en esta muestra, no obstante, han sido cedidas por coleccionistas privados y museos internacionales, que han prestado también para la ocasión fotografías, dibujos, bocetos, e incluso proyectos de barcas que Caillebotte, formado como ingeniero y abogado, diseñó.

Perteneciente a una adinerada familia de clase alta, este pintor recibió sus primeras lecciones de arte en el estudio de León Bonnat tras realizar su servicio militar durante la Guerra Franco-Prusiana. Pese a su juventud y sus relativamente escasos conocimientos artísticos, pronto fue capaz de articular un lenguaje coherente y personal valorado por los miembros del naciente grupo impresionista, junto a los que participó en las exposiciones colectivas que se celebraron en las décadas de 1870 y 1880. Mantuvo con sus aportaciones económicas a varios de sus compañeros y coleccionaría diversos trabajos de Renoir, Monet, Degas, Sisley y Pissarro. La exposición que hasta el 5 de julio permanecerá abierta en el Brooklyn Museum pudo contemplarse con anterioridad en el Ordupgaard de Copenhague y en Kunsthalle Bremen.

Pedro González

2009-03-20T07:59:00.007Z

Trabajar la esperanza

Llega a la sala apoyado en su bastón de madera. Regala una sonrisa a todos aquellos que se le acercan y a quienes con palabras aplauden sus obras. Pedro González, hombre con ojos de niño, regresa a sus 82 años a las aulas en las que hizo el Bachillerato (hoy vacías de pupitres) para descubrir su último imaginario esculpido en grandes lienzos. El pintor lagunero vuelve a "asomarse a la ventana" del arte a través de la cual presenta un mundo lleno de esperanzas. "Incluso en la muerte hay esperanzas", asegura el creador.

Pedro González ama intensamente el arte, esa sensación de poder volcar su alma con sus miedos y sus anhelos en un fragmento de tela. De hecho, cuando ya los años pesan y dejan huella sobre su cuerpo, él sigue explorando nuevos universos y se sigue "subiendo" a una escalera para poder llenar todas las esquinas de sus grandes lienzos. "Soy un trabajador infatigable", confesó ayer el propio Pedro González en la sala de exposiciones del Cabrera Pinto donde sus últimas creaciones se presentan al público abrazadas a algunas de sus obras anteriores (piezas que descansan de miradas ajenas en su casa). Las expresiones del hoy y los fragmentos del ayer de Pedro González, que pueden verse en este espacio lagunero hasta el próximo 10 de mayo, se bañan en la esperanza. Y es que como él mismo reconoció es "un hombre de esperanza".
"Incluso en la muerte y en las pateras [temas que centraron dos de sus series anteriores] hay esperanza, aunque ésta a veces se frustre, se quede por el camino", indicó el Premio Canarias tras confesar que entrar a su estudio todos los días le sigue causando "una gran emoción". "La pintura es una ventana abierta por donde todos pueden asomarse y a través de la cual distintos creadores han plasmado sus visiones", agregó Pedro González delante de una de sus nuevas composiciones, esa en la que una mujer desnuda se cuela como si fuera un sueño en un rincón de su hogar.
Saltando los obstáculos del verbo que debido a la batalla ganada de la enfermedad se atascan al salir al viento, Pedro González también afirmó no tener "una fórmula para pintar". En este sentido, y recordando a Picasso, dijo que él "sencillamente reacciona a la pintura con lo que da el lienzo, estableciendo con él un coloquio y acepto que es mía". Acompañado del alcalde de La Laguna, Fernando Clavijo y de la consejera de Cultura del Gobierno de Canarias, Milagros Luis Brito; el pintor cuya obra camina en los límites de la abstracción y la figuración considera que "tal vez sean los retratos los que sirvan de eje" de esta muestra. Pero no sólo los rostros ajenos atrapan las miradas, también llaman poderosamente la atención dos autorretratos realizados en 2006, los "únicos" que tiene. Aunque en líneas generales en esta individual hay una gran diversidad temática: paisajes, desnudos o escenas bíblicas.

Pinceladas
-Un color:
-El ocre.
-Un olor:
-El de las gardenias.
-Un libro:
-Alguno de Stendhal.
-Un edificio:
-El Taj Mahal. Todavía no lo conozco pero iré a verlo algún día.
-Una música, tal vez un sonido:
-Debussy.
-Una comida:
-Las papas guisadas.
-Un político:
-Todos.
-Una película:
-El piano.
-Una denuncia:
-Ninguna.
-Un poeta, algún verso:
-Luis Feria.
-Una ciudad para perderse:
-La Laguna, sin duda.
-Una obra de arte:
-Un Velázquez.
-Una mujer:
-Eso, mejor me lo reservo.
-Un sueño, tal vez una utopía:
-Que no haya coches.

Grandes pintores: Pollock

2009-02-07T16:39:00.002Z

Grandes pintores: Turner

2009-02-07T16:15:00.003Z

Grandes pintores: Edward Hopper

2009-02-07T15:40:00.002Z

Grandes pintores: Dali

2009-02-07T14:05:00.002Z

Bonnard

2009-02-07T13:33:00.002Z

Mirar algunos cuadros de Pierre Bonnard es como haber entrado en una habitación en la que parece que no hay nadie y de pronto se descubre con el rabillo del ojo una presencia inadvertida...

Grandes pintores: Rembrandt

2009-02-07T12:20:00.002Z

Grandes pintores: Manet

2009-02-07T11:47:00.002Z

Grandes pintores: Vermeer

2009-02-07T11:22:00.002Z

La Alhambra

2009-01-31T09:39:00.002Z

Algunas de las exposiciones del 2008

2009-01-31T09:22:00.003Z

El Prado se reafirma: Goya no pintó El Coloso

2009-01-31T09:16:00.002Z

El Museo del Prado ha hecho público esta semana en su página web un amplio informe en el que, tras analizar la composición, las características técnicas, el estilo y cuanto se sabe sobre el significado de El Coloso, queda descartada la hipótesis de que fuera pintado por Goya. Entre las razones citadas para negar la autoría del maestro de Fuendetodos sobre la pieza (hasta la fecha, una de sus obras más celebradas) se habla de la pobreza en la ejecución de la que adolece la pintura: las diferencias en luz, cromatismo y preparación del lienzo respecto a obras atribuidas con seguridad a Goya; ciertas incorrecciones en la anatomía, la perspectiva y las proporciones; el uso de una pincelada abundante aplicada con lentitud y sin fluidez y la finalización del cuadro tras dos anteriores esbozos que no convencieron al autor de El Coloso y que nos hablan de un proceso de creación dubitativo e impropio del pintor de Carlos IV. Recientemente se hallaron en uno de los extremos del lienzo las iniciales A J, que podrían quizá remitir a Asensio Juliá, retratado por el propio Goya, de cuyo taller fue ayudante principal en los años finales del s. XVIII. La investigación publicada por el Prado y elaborada por su conservadora Manuela Mena alude a la posibilidad de que El Coloso sea obra de Juliá, pero no lo confirma, de ahí que quede abierta una nueva vía de investigación para los expertos. El museo ya ha anunciado que no tiene intención de trasladar la pintura a otra sala, pero si modificará su cartela informativa, en la que se señalará como artífice del cuadro a algún seguidor de Goya desconocido. Las certezas derivadas del informe presentado pueden resumirse en dos: El Coloso no es réplica ni falsificación de ninguna obra del genio zaragozano (como se desprende de la demostración documental de que la familia Fernández Durán, quien lo donaría al Prado en 1931, fue su propietaria original) pero sí manifiesta claramente su influencia.

La increible historia del hombre sin sombra

2009-01-28T19:19:00.004Z

‘La Increíble Historia del Hombre Sin Sombra ‘ es el primer cortometraje de Jose Esteban Alenda.

Realizado artesanalmente como antaño, nos encontramos con un precioso corto de animación que cuenta la historia de un joven ambicioso que llega a vender su propia sombra (en principio no nos vale para nada, ¿no?) para lograr conquistar a la mujer que ama.

El corto, contado a modo de cuento con voz en of de narrador incluída y moraleja al final, es una auténtica delicia visual y le deseamos toda la suerte del mundo en su recorrido por los festivales.

Grandes pintores:Van Gogh

2009-01-26T16:08:00.003Z

Grandes pintores:Gaugin

2009-01-25T12:50:00.003Z

Grandes pintores:Cézanne

2009-01-25T12:27:00.003Z

Grandes pintores:Goya

2009-01-25T11:48:00.002Z

Grandes pintores:Rubens

2009-01-25T09:42:00.003Z

Grandes pintores: Tiziano

2009-01-23T18:34:00.006Z

Grandes pintores: Murillo

2009-01-23T17:49:00.003Z

Grandes pintores: El Greco

2009-01-21T19:36:00.004Z

Grandes pintores: Velázquez

2009-01-21T19:11:00.007Z

Exposición "De la figuración a la abstracción"

2009-01-17T14:50:00.002Z

CajaCanarias exhibe su colección de arte más contemporánea con obras de 44 artistas

La muestra recoge más de 30 piezas inéditas y se podrá visitar en el Espacio Cultural de la entidad en la capital tinerfeña hasta el 21 de febrero

CajaCanarias presentó en la mañana de este viernes, día 16 de enero, en su Espacio Cultural de la capital tinerfeña, una muestra que reúne parte de su valiosa Colección de Arte, a través de 75 obras de 44 grandes pintores y escultores canarios que desarrollaron su trabajo durante el siglo XX.

La muestra, que recoge más de 30 piezas inéditas, permanecerá abierta al público hasta el 21 de febrero, en horario de lunes a viernes de 11 a 13 y de 17 a 21 horas, y los sábados de 11 a 14 y de 17 a 20 horas.

Esta colección de la entidad financiera supone un recorrido por los fundamentos del arte contemporáneo en el Archipiélago a través de dos etapas: ‘De la figuración a la abstracción’ (1904-1969) y ‘Tiempos de cambio y libertad’ (1970-1984), dos periodos imprescindibles para trazar el mapa de nuestro imaginario y llegar al corazón y al fondo de nuestro arte.

Google ofrece una visión única de 14 obras del Museo del Prado

2009-01-13T18:52:00.003Z

Catorce de las obras más representativas de la pinacotec a española se pueden admirar y estudiar al detalle a través de Google Earth. El proyecto es pionero en todo el mundo y permite navegar por los cuadros con un realismo espectacular, visualizando detalles que el ojo humano sería incapaz de detectar con una visión directa de la obra.

No hay nada que supere la contemplación de una obra de arte en directo, pero nunca hasta ahora se ha podido admirar con este altísimo nivel de detalle los 14 cuadros del Museo del Prado que acaban de ser incorporados a Google Earth. El jardín de las Delicias, Las Tres Gracias o El Caballero de la Mano en el Pecho pueden ser observados con una calidad microscópica que permite hasta ver las costuras de la restauración del lienzo de Las Meninas.

Google ha financiado enteramente este proyecto que le ha llevado a fotografiar, en colaboración de la compañía madrileña Mad Pixel, trazo a trazo las 14 obras maestras del Prado en mega alta resolución para después componer todo el cuadro como si se tratase de un puzzle digital. En total se han realizado 8.200 fotografías (1.600 fotos sólo para El Jardín de las Delicias).

"No hay mejor manera que rendir tributo a los grandes maestros que universalizar su arte y hacerlo accesible al mayor número de personas", ha reflexionado Zugaza quien ha querido aclarar que el criterio de selección de las obras ha respondido a un elemento didáctico. "Son las 14 obras imprescindibles en la visita del Museo del Prado, aunque en mi opinión podrían incluirse las 1.000 que están expuestas", ha añadido el director del museo que ha aprovechado para recordar que toda información sobre la colección del Prado también está disponible en su página web.

El valor de una firma

2009-01-12T21:25:00.004Z

Recomendado por Nieves Camacho,
profesora de Lengua Castellana y Literatura.

"Rutas inventadas"

2009-01-10T11:46:00.002Z

El antiguo convento de Santo Domingo en San Cristóbal de La Laguna acogió ayer la inauguración de la muestra “Rutas Inventadas” de José Antonio Zarate. La última colección del escultor orotavense, imprime su propia visión del paisaje de la isla con una perspectiva abstracta, a la vez que reduccionista. Se trata de obras de pequeño y mediano tamaño, “resultantes del referente cartográfico y su lenguaje de abstracción de tipo convencional” que le suscita la tierra donde nació. La muestra cuenta con una recopilación pictórica que ayuda a interpretar el concepto que el artista forja en cada una sus obras, con reminiscencias a estampas del Archipiélago canario. El acto fue inaugurado por la concejal de Cultura del consistorio lagunero, Fidencia Iglesias. La exposición permanecerá abierta al público del 8 al 22 de enero, de lunes a viernes de 10:00 a 14:00 horas y de 17:00 a 20:00 horas. Los sábados y domingos solo se podrá visitar en horario matinal.

Tintín cumple 80 años

2009-01-10T11:21:00.005Z

El célebre reportero creado por Hergé apareció por primera vez el 10 de enero de 1929 en la revista 'Le Petit Vingtième'.

El célebre reportero del cómic Tintín, el joven rubio de insolente flequillo y pantalones bombachos que siempre va acompañado de su fiel perro Milú, celebrará este sábado su ochenta aniversario. Fue un 10 de enero de 1929 cuando Tintín, ya acompañado de Milú, apareció por primera vez en la revista "Le Petit Vingtième" de la mano del dibujante belga Georges Remi, más conocido como Hergé. Se trataba de la primera aventura del reportero en la Rusia bolchevique titulada Tintín en el país de los Soviets.

Esa historia fue el inicio de una saga de 24 aventuras alrededor del mundo de la que ya se han vendido más de 250 millones de ejemplares y que han sido traducida a más de 50 idiomas, e incluso ha sido adaptada a las pantallas en dibujos animados.

La denuncia del régimen soviético efectuada por Hergé fue aclamada y motivó a su autor para lanzar a su personaje a una serie de viajes que le llevarían hasta algunos de los rincones más soñados por los amantes de la aventura: desde los pasadizos de las pirámides de Egipto a las frondosas selvas suramericanas, pasando por los fumaderos de opio en China e incluso la Luna. La leyenda estaba en marcha y Hergé hizo que Tintín viajara alrededor del mundo para, en apenas cinco años, publicar Tintín en el Congo (1931), Tintín en América (1932), Los cigarros del faraón (1934) y El loto azul (1936).

Salto a la gran pantalla

En honor al cumpleaños del reportero más famoso del mundo, el próximo martes día 14 de enero se inaugurará un mural para decorar una estación ferroviaria de Bruselas y el 22 de mayo -cumplaños de Hergé- se inaugurará el Museo Hergé en Louvain-La-Neuve (al sur de Bruselas).

Aunque en sus ochenta años de existencia este cómic ha sido acusado de sexismo, paternalismo y antisemitismo, cada añocrece el número de nuevos seguidores de las aventuras de Tintín, Milú, el capitán Haddock, los detectives Dupont y Dupont (Hernández y Fernández), el profesor Tornasol y Bianca Castafiore.

Después de la muerte de Hergé, en 1983, sus familiares respetaron los deseos del autor y rechazaron que otros creadores continuaran con el personaje. Aunque Tintín no continúa sus aventuras sobre papel, los directores de cine Steven Spielberg y Peter Jackson obtuvieron el permiso de la viuda de Hergé para producir una trilogía sobre el reportero. El estreno en las salas de la primera entrega cinematográfica se espera para el próximo año. source: elpais.com

The Outsider Art Fair

2009-01-09T21:14:00.001Z

Oscar, una pasión surrealista

2008-12-30T19:31:00.004Z

Óscar. Una pasión surrealista desarrolla una elegante narración de vidas paralelas, la del pintor español Óscar Domínguez en la capital francesa durante la primera mitad del siglo XX, y la de Ana, en el Madrid actual, una abogada a quien se le diagnostica una terrible enfermedad que le lleva a volcarse en la búsqueda de un misterioso cuadro que, según los expertos, fue la última creación del pintor antes de suicidarse.

La inesperada visita de dos expertos en arte que sugieren la posibilidad de hallar un cuadro inédito del pintor surrealista Óscar Domínguez entre la herencia familiar, aporta a Ana una emocionante meta con la que llenar el tiempo de vida que le queda. Eva, su mejor amiga, y Román, su despreocupado novio, serán los personajes que acompañarán a Ana en una búsqueda marcada por el espíritu de la vanguardia.

En paralelo, asistiremos a un fascinante recorrido en flashback por la memoria de una de las figuras clave del Surrealismo, desde su infancia en Tenerife (Islas Canarias) hasta su muerte en París. En la dramatización de la trayectoria vital de Óscar Domínguez descubriremos un personaje revolucionario, genial y creativo en todos los ámbitos de su vida, el verdadero amor por la misteriosa pianista polaca Roma y la recreación de un universo interior tan rico como caótico. Las figuras de la vanguardia artística del París de la primera mitad del siglo XX como André Bretón o Pablo Picasso tendrán un papel determinante en la trama.

Domínguez, presa de la locura y aquejado de acromegalia, la enfermedad del "hombre elefante", acabará con su vida voluntariamente en la noche de fin de año de 1957.

Como nexo entre estas dos historias salpicadas de paréntesis y paralelismos que unen los dos universos, descubrimos el acecho constante del fantasma de la muerte y el objetivo común de encontrar el sentido de la vida. La locura, la pasión y la muerte son algunos de los temas que marcarán a Ana en la búsqueda de la pintura de Domínguez y serán un revulsivo para su entorno, que cambiará para siempre.

El espectador encontrará en 'Óscar. Una pasión surrealista' dos emocionantes historias entrelazadas con dramáticos giros argumentales y una documentada visión histórica.

Como dibujar a los Simpsons

2008-12-25T11:53:00.008Z

Son dos videos bajados de youtube y que nuestro coordinador unió y les añadió música. Amablemente nos lo ha cedido para nuestro blog. Esperamos sacarle provecho en las clases.

The Spirit. Adaptación del comic

2008-12-24T13:21:00.005Z

Ciencia Ficción / Aventuras | 103 min.
Título: The Spirit
Título original: The Spirit
País: USA
Estreno en USA: 25/12/2008
Estreno en España: 25/12/2008
Productora: Lionsgate
Director: Frank Miller
Guión: Frank Miller
Reparto: Gabriel Macht, Scarlett Johansson, Samuel L. Jackson, Eva Mendes, Paz Vega, Jamie King.

Sinopsis:

Spirit, el alter ego de Danny Colt, un hombre que ha fingido su propia muerte para poder combatir el crimen desde las sombras de Central City. Se enfrentará a Octopus un villano que aterroriza la ciudad y mata a todos aquellos que han visto su rostro.

El lince perdido

2008-12-23T18:37:00.004Z

El lince perdido, nominada a los Goya como "mejor pelicula de animación".

La película de animación «El lince perdido», un homenaje a la figura de Felíx Rodríguez de la Fuente, se preestrena hoy con la intención de transmitir a los más pequeños el valor de la libertad y el amor por la naturaleza, así como de recordar al divulgador ambientalista.

Según informó hoy la Fundación Félix Rodríguez de la Fuente (FFRF), el film, que se estrenará oficialmente en toda España el próximo día 25, está presentado por Antonio Banderas y producido por Kandor Moon y Perro Verde Films. Además, señalaron que ha sido vendido a 35 países y que el 20 por ciento de los beneficios obtenidos irán destinados a financiar proyectos medioambientales gestionados por la Junta de Andalucía.

El argumento gira en torno a las aventuras de Félix, un lince con muy mala suerte, que se ve obligado por las circunstancias a convertirse en el líder de su grupo de amigos y guiarles en su intento por escapar de manos de un cazador.

Magritte. Naturaleza misteriosa

2008-12-01T22:06:00.005Z

"Magritte. Il mistero della natura" es el título de la muestra que el Palazzo Reale de Milán acoge en sus salas hasta el 29 de marzo de 2009, con motivo del 110º aniversario del nacimiento del pintor. La exposición, que presenta un total de 110 obras, se centra en la importancia de la naturaleza en la obra del artista belga, mostrándonos cómo al fundirse con el misterio que caracteriza toda su producción, da lugar a algunas de sus más sorprendentes e imaginativas piezas surrealistas.

Graffitero en acción

2008-11-24T19:12:00.008Z

Publicidad: otro arte

2008-11-23T22:18:00.007Z

Pepa Poch pintando en la Rambla de S/C de Tenerife

2008-11-15T14:45:00.003Z

La Capilla Sixtina de Barceló

2008-11-11T13:22:00.007Z

Durante más de nueve meses el artista mallorquín Miquel Barceló ha pintado la sala de Derechos Humanos de la ONU en Ginebra. Los 1.400 metros cuadrados de techo blanco se han convertido en un mar agitado y una cueva llenos de color.
Barceló utilizó una pistola de 'paintball' para disparar la resina con la que consiguió las estalactitas. En la imagen, el artista de Felanitx en febrero de 2008 trabaja con el material.
Las formas de resina se cubrieron después con 35.000 kilos de pintura, con un código de colores para crear esa cueva. El artista, protegido por un mono de astronauta, empleó una gran manguera para llenar de color el techo de la sala.
Durante los meses que duró la obra, el artista mallorquín repasaba las maquetas y las reproducciones de la cúpula en su despacho-taller.
Los chorros de pintura fueron cubriendo la cueva-cúpula. Desde que descubrieron el Nexópido, la pintura capaz de aguantar las estalactitas, todo cambió. Durante seis meses habían estado intentando hacerlas.
Después de cada sesión, el suelo del andamio se cubría con un mar de pintura caída de la cúpula.
A Barceló le gustaba tenderse en el suelo y mirar el efecto que producía su pintura. Él mismo ha dicho: "He querido llevar al extremo pintar contra la gravedad". Si uno se va sentando en cada una de las 700 butacas que hay en la sala ve una cosa diferente.

Juego Visual

2008-10-26T16:30:00.003Z

Exposición "Travesías" en la Regenta. Las Palmas

2008-10-22T20:12:00.008+01:00

Child por Blu

2008-10-19T21:43:00.004+01:00

Fantoche por Blu

2008-10-19T21:41:00.004+01:00

Walking por Blu

2008-10-19T21:40:00.005+01:00

Letter A por Blu

2008-10-19T21:37:00.004+01:00

FFWD por Blu

2008-10-19T21:36:00.004+01:00

Fino por Blu

2008-10-19T21:34:00.004+01:00